HA – L’ABSTRACTION 9 – FEMMES ET ABSTRACTION

Hilma AF KLINT 1862 – 1944

Née à Stockholm dans une famille aristocrate suédoise. Elle étudie d’abord à l’École technique artistique de Stockholm vers 1880, puis à l’Académie royale des beaux-arts (1882-1887).

Elle passe ses étés dans un domaine familial près du lac Malären. La beauté de la nature va orienter ses premières productions. Elle seront classiques puisque à l’époque il n’était pas vraiment question de faire autre chose.

On ressent l’influence impressionniste. Les compositions sont classiques même si en terme de gestion d’espace elle est dans des contractions de plans, alors que de manière classique on les marque plus clairement. Et sa facture picturale tendant vers le flou est un peu hors des normes de l’académie. Néanmoins en terme de sujet on est bien dans le figuratif.

S’ il n’y avait eu que cela on en parlerait pas dans un cours d’histoire de l’art. Techniquement c’est bien fait mais cela n’a rien de novateur contrairement à ce qui va suivre.

Elle fait aussi des portraits. Dans celui-ci, elle prend un espace assez important pour positionner son sujet et on sent le corps sous les vêtements. Une perspective d’objet minimum pour le siège. Le sujet est un peu décentré. Mais, elle ne met pas son sujet en contexte et se dégage de certaines règles de composition habituelles à l’époque.

1903

Dessin sur papier, dans un carnet. On reconnaît un monde végétal et une construction géométrique basée sur la spirale et des axes placés en diagonale.

1906

Lorsqu’elle a dix huit ans sa sœur décède et elle va tenter le spiritisme pour entrer en contact avec celle-ci. Dans le cadre de ces séances, elle va commencer à dessiner. Elle va aussi s’intéresser à la Théosophie comme Georgiana Houghton. Avec quatre autres dames, Anna Cassel, la plus proche d’Hilma, Sigrid Hedman, Cornelia Cederborg, et Mathilde Nilsson, elles créeront un groupe Spirite « Fem » qui signifie Cinq et s’écrit V. Elles pratiqueront l’écriture et le dessin automatique. On est pas dans le même champ que les Surréalistes qui pratiqueront aussi dessin et écriture automatiques mais c’est une tout autre démarche. Hilma et ses amies, tout en se laissant conduire par des esprits majeurs pendant les séances, lisent le nouveau testament. Religion, spiritisme, Théosophie sont largement imbriqués.

1906 / 1907 Elles vont faire des séries. La première est intitulée : Chaos primordial qui sera exposée au Guggenheim à New-York en 2021.

Elle dit que ce sont des productions faites dans des moments de mysticisme, où elle veut faire apparaître l’invisible. Mais associé à cela, il va y avoir une fascination pour la nouvelle compréhension apportée par les sciences. Et donc une fascination pour l’invisible.
Dans cette série, elles cherchent à globaliser, enfermer le moment divin de la création. Ce concept de « Création » peut s’entendre au sens mystique, religieux ou scientifique. En mettant en évidence les forces créatives, en laissant parler l’instinct du ventre avant celui de la raison.

« J’étais l’instrument de l’extase »

Et inévitablement, les mauvaises langues diront qu’elle est hystérique, axée sur sa sexualité homosexuelle.
Cependant, elles parlent de l’ébullition interne des émotions qui rejoignent la raison.
Elles utilisent les couleurs et la géométrie pour exprimer tout cela.

On voit dans le dessin de droite des signes qui ressemblent à des lettres. Mais à part cela sans connaître la date et l’auteur on pense « abstraction ».

Monet avait déjà proposé ce type de travail en séries et il en fera plusieurs. « La gare Saint-Lazare » en 1877 à la troisième exposition des Impressionnistes. 1891 Les meules de foin. De 1892 à 1893 les trente Cathédrales de Rouen, ….

En 1906 encore, elle va peindre ceci : The ten largest / les dix plus grands.

Cela fais un peu « années ´70 ».
Référence à un monde organique, avec des signes écrits que l’on peut reconnaître. A part Malevitch qui a viré sa cuti instantanément, les autres précurseurs de l’abstraction font des aller retour entre abstrait et figuratif.

Cette série, des dix, évoque pour elle les quatre stades de la vie. On sent qu’elle a déjà complètement travaillé son sujet et qu’elle l’a transformé en formes et en lignes. Et il est impossible de déterminer quel stade est représenté.

1908

Donc qui dit 12 dit 11 précédents et donc série. On reconnaît des femmes et des serpents, et le chiffre 7 qui est un symbole de protection dans la religion chrétienne et qui fait référence à la perfection de Dieu et aux 7 étapes de la création du monde.
Si elle comble encore le fond du tableau, on sent qu’elle est précurseure dans la construction d’un espace novateur.

1915 : Les cygnes

Elle fait référence au Ying / Yang symbole chinois des forces contraires et complémentaires.

On retrouve les cygnes mais ils sont quatre. On retrouve aussi la spirale et les diagonales du dessin de 1903. Au centre il y a un coeur et les lignes sont construites avec des couleurs différentes.

Ci dessus Les Cygnes n°9 , n°12, n°17
On pourrait voir du Delaunay dans le dernier.

En 1915 une série qui s’intitule Les peintures pour le temple commencées en 1906 est terminée. Il y a 193 peintures qu’elle montre à Rodolphe Steiner pédagogue, qui a fondé l’anthroposophie, doctrine ésotérique et occultiste qui se revendique proche de la nature, fondée sur la Théosophie de Blavatsky. Il n’y aura pas de temple et les peintures seront rangées, oubliées.

Toujours avec une dimension cosmique, mystique, intérieure.

Chaque élément du spectre coloré fait référence aux théories de la théosophie et de l’anthroposophie.
Le triangle est un ancien symbole qui nous connecte au monde spirituel. La pointe posée sur le bas du cercle fait référence à l’origine, au soleil. Le message est d’ordre spirituel et représente le monde avec ses forces invisibles.

Il faut s’approcher pour percevoir des éléments qui n’apparaissent que de près.

On peut observer des factures picturales différentes selon les endroits du tableau. Et au bas du cercle une succession de triangles imbriqués.

Le pigeon, la construction est géométrique voire symétrique, quasi mathématique. Des harmonies de couleurs particulières pour l’époque.

1917

La série Atome correspond à l’émergence de découvertes scientifiques. Darwin et sa théorie de l’évolution c’était en 1859, cela date un peu par rapport à 1917mais cela à été incorporé dans la pensée intellectuelle. Les choses ne sont pas immuables, elles se transforment selon des règles, des lois. L’aspect de modification et de changement est toujours intéressant pour un.e artiste. La découverte des ondes électromagnétiques en 1886. Les rayons X en 1895. Les particules subatomiques en 1897. Les particules radios actives en 1898. Toutes ces découvertes chamboulent les représentations admises jusqu’alors. Et activent chez Hilma af Klint un intérêt pour le monde invisible. A cela, on ajoute les mathématiques, la physique. Et bientôt, la quatrième dimension qui sera mise en évidence.

« A ce moment j’ai la conscience dans la vie réelle que je suis un atome dans l’univers qui a accès à d’infinies possibilités de développement. Ces possibilités, je veux graduellement les révéler. »

Cette œuvre ci fait quand même penser à Malevitch

Étude de Malevitch à propos de son carré noir sur fond blanc qu’il ne va montrer qu’en 1915. Hilma af Klint n’avait aucune connaissance de l’œuvre de Malevitch.

En 1920, elle fait ce genre d’œuvre, qu’elle titre étude de Bouddha, c’est sa représentation de Bouddha. Il n’est pas sur qu’un bouddhiste s’y retrouve. Et sans titre on n’hésiterait pas à parler d’abstraction.

D’ailleurs à ce stade du cours on pourrait dire que Hilma af Klint est la précurseure de l’art abstrait, elle en est la mère, la grande prêtresse, avant Kandinsky, Mondrian, Malevitch, Schwitters, Kupka qui sont des grosses pointures mais …

Un cube, contenant trois étages, strates. Mais si on se focalise sur les losanges le volume du cube disparaît. Des diagonales dans le fond passent derrière le cube. Une ellipse de couleur dans le losange du haut et du bas. Les optical artistes, Vasarely et compagnie ne vont faire que cela. On ne peut pas dire qu’elle influence ces groupes (puisqu’elle n’est pas connue) mais ce qui est certain c’est qu’elle a dans son œuvre les ferments de ces courants.

Elle est habitée d’une grande lucidité et dira que le monde n’est pas prêt pour regarder son travail.
Elle le lègue à son neveu en lui demandant de ne le montrer que 20 ans après sa mort. Il créera une fondation Hilma af Klint conscient de la richesse et de la valeur de l’œuvre de sa tante. Cette fondation gère et classifie l’œuvre.

Le catalogue raisonné fait 7 volumes.

Mais c’est dans le cadre d’une exposition à Los Angeles en 1986 titrée « du spirituel dans l’art » que l’on présente pour la première fois ses tableaux, dessins, gouaches, carnets,…

Elle a légué plus de 1000 tableaux, 1300 journaux et carnets de notes, chaque tableau est commenté et expliqué et démontre bien que si elle s’appuie sur le spirituel elle ne s’en contente pas. Il y a de la recherche et de l’élaboration qui se nourrit de toutes sortes d’influences.

Certains dessins peuvent faire penser à du Joseph Albers comme les deux carrés avec des carrés différents au centre.

Et parfois elle s’adonne encore au dessins et à l’aquarelle botanique mais elle y adjoint des réflexions plus en lien avec sa réflexion générale.
Entre 1898 et 1944 elle a couvert 26.000 pages de notes, dessins, croquis,…

En 2018 une exposition au Guggenheim accueillera 600.000 visiteurs, c’est plus que pour la rétrospectives de Kandinsky, le catalogue à été réimprimé 5 fois.

Elle ne connaît pas l’œuvre de Kupka mais cette spirale en décrochement nous y fait penser.
https://awarewomenartists.com/magazine/hilma-af-klint-mere-de-labstraction/

Depuis le début de ce cours sur l’abstraction, je définis l’abstraction comme « des œuvres qui n’ont pas de sujets », qu’en dites-vous ?
« Faire la différence entre sujet et objet ». C’est pour cela que c’est compliqué parce que le sujet c’est l’objet. De manière générale quand on parle de sujet, on parle d’un sujet représentatif et reconnaissable, par exemple : un sujet religieux, un sujet historique, un portrait, … . Et un objet cela pourrait être : la table, la fleur, … Où cela devient compliqué c’est quand l’objet en question est un élément géométrique qui, si on ne se réfère pas à sa symbolique par exemple le soleil, est un cercle, qui représente quelque chose, mais en quoi est-ce un sujet ?
La création du monde pourrait être un sujet que l’on représente uniquement avec des éléments géométriques et de couleur sans que pour autant on aie un indice que ce soit : naturaliste, figuratif, reconnaissable.
L’amour, le sujet et encore cela pourrait être l’objet parce que pris dans le sens abstrait, c’est de l’ordre du concept,
« Le conscient et l’inconscient », en effet, pour revenir à nos précurseur.e.s iels se réfèrent à des choses qui sont en dedans d’elles-mêmes, d’eux-mêmes parce que c’est difficile de lâcher prise. Sauf Malevitch, mais lui vivait dans un contexte particulier. Mais iels les représentent de manière non figuratives.
Les jeunes d’aujourd’hui qui se lancent dans l’abstraction ont peut-être plus facile et encore ce n’est pas certain. Parce que l’on va rechercher une émotion, un concept, …

Et donc, si on va quand même rechercher une émotion, un concept, quand est-il du sujet ?
Je pense qu’il y a toujours un sujet mais il n’est pas figuratif, pas reconnaissable, et donc il faudrait finir la phrase et dire : La peinture abstraite est une peinture où il n’y a pas de sujet reconnaissable. Et cette reconnaissance devrait se faire par tout le monde et pas par un petit cercle d’initiés.
Quand face à une œuvre je ne reconnais rien, je ne peux relier ce que je regarde à aucune référence identifiable, que le sujet est tellement transformé, intellectualisé, digéré, trituré que rien ne me vient à l’esprit : l’abstraction apparaît.
On ne crée pas de rien ! En effet, « quelque chose » va habiter vos doigts par exemple l’art brut est bien représentatif de cette part spontanée, habitée.

Des courants artistiques vont aller vers le minimalisme, la simplicité et produire le plus avec le moins. Et d’autres au contraire vont se diriger vers l’accumulation et une expression plus baroque.

« L’idée de créer à partir de rien ne reviendrait il pas à évacuer l’intention ? »
Créer à partir de rien est compliqué, et je pense que ce qui vous pose problème en atelier c’est quand votre intention n’est pas claire. Devant votre matériel, médium d’expression vous avez un sujet, par exemple : l’origine du monde. Comment en parler, l’exprimer, avec quelle intention ?
A la différence de l’artisan qui produit des objets plus ou moins semblables ou de manière artisanale, non manufacturée. Il veillera à l’esthétique, à la qualité, et sans dénigrer l’artisanat, l’intention n’ira pas plus loin.
L’artiste, lui devra faire des choix en rapport avec le message qu’il voudrait faire passer. Par exemple il veux transmettre l’émotion ressentie dans son jardin … il faudra faire des choix et sans doute renoncer à des voies pour en choisir d’autres, une autre. Et on peut aller regarder tout ce que l’art à produit sur le sujet et quand même encore trouver une nouvelle voie d’expression.